PUDDING EXPLOSION

What‘s up in Germany? People are sitting on their traffic lights. Is this car-driving nation letting go? Are they asking themselves new questions?

In Form eines Werbeclips promotet der Künstler Michel Klöfkorn eine öffentliche Aktion, das Ampelsitzen, als Reaktion auf die heutige Autokultur, die nicht nur unser Leben beschleunigt, sondern auch den urbanen Raum gestaltet. Vielleicht ist „Ampelsitzen“ aber auch weniger eine Anleitung zum Handeln, als vielmehr ein ironischer Kommentar zur immer beliebter werdenden Verschmelzung von Protest- und Eventkultur? Auf jeden Fall sticht der Kurzfilm, der 2007 im Rahmen des Projekts: Commercials for concepts. Ideas for Europe. (Raum für Projektion, Köln) entstand, aus Michel Klöfkorns Werk heraus.

Der Filmemacher experimentiert gern und verwendet verschiedene Techniken wie Zeitraffer oder Stop Motion. Entweder greift er ein Stück Welt heraus, eine Landschaft, Zeitschriftenseiten, Werbeplakate und bearbeitet sie. Oder er zeichnet aus der Erinnerung, wie für den Film „Ich fahre mit dem Fahrrad in einer halben Stunde an den Rand der Atmosphäre“ von 2011 mit dem Klöfkorn 2012 den Deutschen Kurzfilmpreis gewann. Der Film aus 10000 Einzelbildern behandelt gesellschaftliche Themen wie Ökonomie, Geschichte, Militarismus, Stadt und Natur auf eine assoziative Weise.

Die Reise beginnt in einer Landschaft. Weiße Linien auf schwarzen Grund biegen sich wie Halme im Wind. Vogelgezwitscher, Bienensummen. Plötzlich leuchten Schraffuren auf, werden zu Gewitterwolken, die Schatten auf eine sturmgepeitschte Wiese werfen. Nicht nur die Landschaft auch der Betrachter gerät in Bewegung. Schatten von sich drehenden Fahrradspeichen, vorbeiziehende Autogeräusche geben ein wenig Orientierung. Wir befinden uns scheinbar auf einer Straße. Im nächsten Moment verlieren wir auch diese Sicherheit, da sich die Lichterkette, die die Straße markiert, in das flirrende Lichtspiel von Fahrgeschäften verwandelt. Vom nächtlichen Kirmesbesuch geht‘s weiter auf der Reise durch verschiedene Bildwelten. Von Vögeln begleitet, schweben wir durch ein vor uns zurückweichendes Geäst bevor uns eine Schar von Zahlen entgegen fliegt und wir uns an der Börse wähnen. Das Zahlendickicht löst sich schließlich wieder auf, wird zum Sternenhimmel, dessen Sternenbilder wiederum an Nervenbahnen erinnern. Phrasen wie „Psychoanalyse der Siegessäule“ und andere heitere Tiefgründigkeiten, die in den Bilderfluss eingewoben sind, eröffnen weitere Assoziationsketten. Michel Klöfkorn geht es darum, Dinge zu zeigen, die man weder fotografieren, noch filmen kann. Mit seinen Zeichnungen gelingt es ihm, eine eigene Welt zu erschaffen, die Gegenwärtiges und Vergangenes, Galaktisches und Mikroskopisches, Bildliches und Sprachliches miteinander in Beziehung setzt.

Die Ausstellung Michel Klöfkorn : Ampelsitzen im con[SPACE] (Atelierfrankfurt) läuft bis zum 27. August 2015 Öffnungszeiten: Di, Mi, Do 16.00 –19.00

Ausstellungsansicht fotografiert von Raul Gschrey

Sternmorgensterns neueste Videoarbeit trägt den Titel „screen“. Hinter dem englischen Wort „screen“ verbirgt sich ein ganzes Spektrum an Bedeutungen. Wir verstehen darunter Bild, Bildschirm, Abschirmung, Projektionsfläche u.v.m. Jede dieser Bedeutungen öffnet ein weiteres Feld, bestehend aus Definitionen, Assoziationen, Erinnerungen. Wir bewegen uns nicht nur physisch, sondern auch mental in Räumen, die wir selber konstruieren. Ausgehend von dieser Annahme entwickeln sternmorgenstern ihre Konzepte zur Erforschung realer wie imaginärer Räume.
Neben Interventionen im realen Raum spielt Video als Experimentierfeld eine wichtige Rolle im Werk der beiden. Für „screen“ zeichneten sie Linien auf der stark befahrenen Fahrbahn vor dem neuen EZB-Tower auf. Diese unscheinbaren Zeichen, welche am Tag der Eröffnung der EZB eine Sicherheitszone markierten und nun, ohne die Absperrungen, keinen Sinn mehr haben, werden zum Ausgangspunkt der künstlerischen Untersuchung. Sternmorgenstern thematisieren den Eingriff der Bankzentrale in den öffentlichen Raum, indem sie dessen Spuren durch die digitale Manipulation einer Videoaufnahme zu einer ihrer Konstruktionen erweitern. Diese erinnert nicht nur an Zäune, sondern bildet ein Raster. Ein Raster ist mehr als eine Begrenzung. Als elementares Gestaltungsmittel steckt es in den Dingen und beschreibt zugleich das jeweilige Ordnungssystem, die „Brille“, durch welche wir diese betrachten.
Für ihre Installationen verwenden die Künstler in der Regel leichtes Material wie dünne Holzlatten. Die Arbeit „square“ (2010/11) zeigt eine begehbare Konstruktion, einen Steg auf Stelzen, der sich kreisförmig über Stuhlreihen vor einer Leinwand im Offenbacher Hafenkino erhebt. Zu keinem Zeitpunkt existiert jedoch der gesamte Kreis. Die Künstler arbeiten mit begrenztem Material, das die Auflösung zur Voraussetzung für eine Fortsetzung macht. Durch den Loop wird die symbolische Bedeutung der Kreisfigur zur scheinbar unendlichen Erfahrung gesteigert. Sobald die Konstrukteure für einen Moment aus dem Blick verschwinden, steht zwar nicht das Bild, so doch die Konstruktion still und bruchstückhaft vor uns.

Die Ausstellung ist noch bis zum 18.06. im con[SPACE] zu sehen.

Öffnungszeiten: Di, Mi, Do  16.00 – 19.00

con[SPACE] im Atelierfrankfurt, Schwedlerstraße 1-5, 60314 Frankfurt am Main

Ausstellungsansicht fotografiert von Raul Gschrey

Dass Wissenschaftsgeschichte auch spielerische und kreative Zugänge erlaubt, ja sogar braucht, zeigte der große Erfolg der Jubiläumsausstellung Ich sehe wunderbare Dinge. 100 Jahre Sammlungen der Goethe-Universität vom 19. Oktober 2014 bis zum 8. Februar 2015 im Museum Giersch. Anders als das phänomenale Jubiläumsfeuerwerk, war die Ausstellung kein Spektakel mit repräsentativer Absicht, sondern ein bisschen wie ein buntes Familientreffen. Mit viel Humor und Begeisterung für die Schätze der Universität wurden hier 450 Objekte aus vierzig Sammlungen zusammengestellt. Zu Themen, die die Menschheit bewegen, beispielsweise Zeit, Neugier, Idealbild und Tod, traten die Objekte in einen interdisziplinären Dialog. Die Gegenstände wurden nämlich nicht nur aus den Schränken, Schubladen und Kisten geholt, in denen sie normalerweise verstaut sind, sondern auch aus ihren ursprünglichen Sammlungskontexten herausgelöst. Auf diese Weise wurde ein Sehen und Denken angeregt, das sich nicht von vorgefertigten Inhalten leiten lässt, sondern vor allem von der eigenen Neugier. Lustige Zusammenhänge, überraschende Assoziationen, aber auch ambivalente Gefühle entstanden, während man durch die Ausstellung stöberte, über die Plastikjacke mit aufblasbaren Brüsten und Hüften (Jugendkulturarchiv) lachte, diese im nächsten Moment mit dem Idealbild der Antike, einem weiblichen Torso (Archäologische Abgusssammlung) verglich, bevor der Blick auf das orthopädische Stützkorsett (Universitätsklinikum) fiel usw.. Wer sich Kontext wünschte, wurde nicht enttäuscht. Einen wichtigen Teil der Ausstellung bildeten die vierzig Filme, in denen die Sammlungskuratoren von Studenten und Mitarbeitern der Universität zu ihrer Arbeit und den Beständen interviewt wurden.

Als die Historikerinnen Judith Blume, Vera Hierholzer und Lisa Reggazoni, die unter der Leitung von Charlotte Trümpler auch die Ausstellung kuratierten, vor vier Jahren damit begannen die Universitätsammlungen zu erforschen, waren gerade mal neun Sammlungen in der Datenbank für Universitätssammlungen in Deutschland verzeichnet. Zusammen mit Studenten aus unterschiedlichen Fachbereichen bildeten sie ein Forschungsteam, die Studiengruppe „ordnen, sammeln, darstellen“ und unternahmen regelmäßig Streifzüge durch die Universität. Sie lernten Sammlungskuratoren kennen, die sie über gut sortierte Bestände aufklärten, aber auch auf Dachböden und in Kellerräume zu vergessen Schätzen führten. Oft hängt das Budget und somit auch die Pflege der Sammlungen davon ab, ob sie aktiv in Forschung und Lehre eingebunden sind oder nurmehr frühere Forschung dokumentieren. Da die meisten Sammlungen nur den Mitgliedern der Fachbereiche bekannt waren, ging es der Gruppe vor allem darum, Zugänge zu schaffen, die einem breiten Publikum Einblicke in die Bestände und ein Verständnis für die Vielfalt wissenschaftlicher Forschung ermöglichen sollte. Der Umfang in dem Studenten in die Forschung und die Produktion von Texten für die Ausstellung und vor allem auch für die danach weiterbestehende online-plattform einbezogen wurden, ist einzigartig und dem besonderen Lehrformat der Studiengruppe, einer Innovation des Forschungszentrums für historische Geisteswissenschaften zu verdanken.

Die Ausstellung Ich sehe wunderbare Dinge. 100 Jahre Sammlungen der Goethe-Universität war die Auftaktveranstaltung einer auf 30 Jahre angelegten Kooperation zwischen Universität und Museum, das in MUSEUM GIERSCH der GOETHE-UNIVERSITÄT umbenannt wurde.

Michaela: Raul, Du bist Künstler, Lehrer und Forscher und arbeitest zur Zeit an Deiner Promotion zum Thema “Composite & Eigenface: Histories and Continuities of Human Measurement between Arts and Science” und beschäftigst Dich besonders mit der Technik der Kompositfotografie. Was genau bedeutet Kompositfotografie und warum beschäftigst Du Dich damit?

Raul: Also die Kompositfotografie ist eine ganz merkwürdige fotografische Technik. Sie wurde Ende des 19. Jahrhundert von dem viktorianischen Wissenschaftler Francis Galton entwickelt. Durch die Überblendung von menschlichen Gesichtern versuchte Galton auf visuelle Spezifikationen zu schließen und darüber Typisierungen herzustellen. Er ging davon aus, dass sich durch diese Technik zeigen lässt, wie zum Beispiel der typische Verbrecher oder ein gesunder Soldat des damaligen Empire aussieht. Dahinter liegt natürlich die Idee, von äußerlichen Charakteristika auf innere Dispositionen schließen zu können, d.h. anhand der Größe von Nase, Augen, Mund usw. psychische Probleme oder kriminelle Eigenschaften zu erkennen. Galtons Kompositfotografie bezieht sich auf ältere physiognomische Konzepte, als man die Maße und Proportionen vom menschlichen Kopf bzw. Gesicht nahm, um anhand dieser auf Charaktereigenschaften zu schließen. Galton gilt übrigens heute als Begründer der Eugenik, also einer Vererbungspolitik die darauf abzielte, den Anteil positiv bzw. negativ bewerteter Erbanlagen zu vergrößern bzw. zu verringern. Seine Theorien wurden später zum Bezugspunkt nationalsozialistischer Rassenlehre.

Was mich besonders an der Technik interessiert, ist, dass sie zu Beginn der Fotografie entstand. 1870 war die Fotografie ein junges Medium im Findungsprozess und bewegte zwischen einer mechanischen, objektiv-wissenschaftlichen Darstellung der Realität und künstlerisch kreativen Ansätzen, bei denen es eher darum ging Stimmungen auszudrücken. Kompositfotografien, die zur vermeintlich wissenschaftlichen Analyse eingesetzt wurden, tatsächlich aber eher wie Geisterbilder aussahen, lagen irgendwo dazwischen.

Es gibt außerdem interessante Bezüge zur heutigen biometrischen Erkennung. Alphonse Bertillon, ein französischer Kriminologe, der die Grundlagen für die biometrische Erkennung schuf, war ein Zeitgenosse Galtons. Die beiden haben sich nicht nur gekannt, sondern auch aufeinander bezogen. Bertillon hat anhand von elf Maßen des menschlichen Körpers eine fast unfehlbare Art und Weise der Identifikation des Individuums entwickelt. Ein Teil dieser Identifikation war auch das frontale und laterale Porträt, die typischen “Verbrecherbilder“, die wir kennen. Obwohl Bertillon eine individualisierte Identifizierung vornahm und Galton eher versuchte zu Typisieren, weisen ihre Fotografien starke visuelle Gemeinsamkeiten auf. Auch verraten beide Ansätze etwas über das Menschenbild der Zeit. Nämlich dass man Identität reduzierte: auf das was durch eine fotografische Linse abbildbar ist. Während Galton versuchte den Durchschnitt zu produzieren, ermittelte Bertillon den Unterschied vom Durchschnitt. Beides steckt in der heutigen biometrischen Erkennung. Automatisierte Gesichtserkennungssysteme berechnen die Abweichungen des Individuums vom Durchschnitt.

Kompositfotografie taucht heute vor allem im künstlerischen Kontext auf. Nancy Burson, eine amerikanische Künstlerin, arbeitete in den 80er Jahren mit analoger Kompositfotografie. Zusammen mit ihrem damaligen Lebensgefährten entwickelte sie das Morphing, die digitale Überblendung von Gesichtern und später auch eine Alterungssoftware, die jetzt wiederum in der kriminologischen Praxis eingesetzt wird.

Mich interessiert wie Künstler heutzutage mit der ‚Kompositfotografieumgehen. Benutzen sie es unreflektiert oder verhalten sie sich zur Geschichte der Technik, die ja durchaus problematisch ist. Außerdem schaue ich, wie künstlerische Positionen auf heutige, biometrischen Identifikationstechniken reagieren. Letztendlich versuche ich mit meinem Promotionsprojekt ein Dreieck aus Kunst – Wissenschaft, Identifizierung – Typisierung, Vergangenheit – Gegenwart zu bilden.

Michaela: Wie gehst Du dabei vor? Spielt Deine künstlerische Ausbildung eine Rolle für Deine historische Forschung? Gibt es Dinge die Du anders machst als der Historiker? Und wie unterscheidet sich die künstlerische Forschung generell von akademischer Wissenschaft?

Raul: Ich schau mir die Bilder ganz genau an. Wie sind sie zustande gekommen? Wer hat sie produziert? Wo kommen sie eigentlich her? Was waren die Machtmechanismen, die zu den Bildern geführt haben? Worauf beziehen sie sich visuell und wie wirkt die Ikonographie, die sie produziert haben, heutzutage? Bevor ich mich theoretisch mit dem Thema Kompositfotografie auseinandergesetzt habe, habe ich außerdem selbst schon künstlerisch mit der Technik gearbeitet.

Es gibt Gemeinsamkeiten. Als Künstler kommt man meist auch über die Recherche zu einem Thema. Man entwickelt oft Dinge, die es vorher schon mal irgendwann gegeben hat und erzeugt Bilder, die in einem anderen Kontext schon da waren. Wenn man das dann bemerkt, bekommen die eigenen Bilder, die eigene künstlerische Produktion wieder eine andere Richtung. Recherchieren, Produzieren, Schauen, was es sonst noch gibt, dann wieder in die eigene Arbeit einsteigen. Dieser Prozess bestimmt auch das wissenschaftliche Arbeiten.

Der zentrale Unterschied würde ich sagen ist, dass ich, wenn ich aus der wissenschaftlichen Perspektive argumentiere, viel stärker versuche mich abzusichern. Ich arbeite mit anderen Quellen, versuche alles darzulegen, den Forschungsstand usw.. Letztendlich aber kann der Forschungsprozess ein ganz ähnlicher sein. Bei der künstlerischen Arbeitsweise ist das Ergebnis ein anderes. Als Künstler formuliert man pointierter und stellt die eigene Position dann zur Diskussion. Es ist auch weniger die einzelne künstlerische Arbeit, sondern eher die Serie zu einem Thema, die Zusammenhänge bildet und die eine Position ausmacht.

Am ehesten vergleichbar ist das vielleicht mit einer essayistischen Herangehensweise, die es in der Geisteswissenschaft ja auch gibt. Wenn zum Beispiel Thesen formuliert werden ohne haarklein nachzuweisen wo die Gedanken herkommen und auch assoziierend Zusammenhänge konstruiert werden.

Michaela: Du arbeitest auch als Kurator und hast einige der künstlerischen Beiträge aus dem gemeinsam mit der Kunsthistorikerin Christine Taxer realisierten Buchprojekt “grenzlinien. zu grenzen grenzüberschreitungen und migration.” u.a im Projekt Display des Frankfurter Kunstvereins gezeigt. Sind Frankfurter Institutionen generell offen für alternative Projekte?

Raul: Ich habe da schon ganz unterschiedliche Erfahrungen gemacht. Grundsätzliche Offenheit ist im Alltagsbetrieb jedoch nicht so besonders groß, leider. Es ist immer noch so und wird wahrscheinlich auch weiterhin so sein, das es eine starre, strikte Trennung zwischen Hochkultur und alternativen Räumen in Frankfurt gibt. Und da muss ich wieder mal eine Lanze für den Kunstverein Familie Montez brechen. Das ist einer der wenigen Räume, wo man relativ unproblematisch, ohne jetzt ein Kunststudium an einer renommierten Kunstschule absolviert zu haben, Anknüpfungspunkte finden kann.

Die großen Institutionen sind sehr stark auf eine Publikumswirkung ausgelegt. In der Ausstellungsszene fehlen die Zwischenräumlichkeiten. Der Portikus oder auch der Frankfurter Kunstverein könnten eine Brücke zwischen dem Alternativen, Freien, Selbstorganisierten und einer etablierten Sammlungstätigkeit sein. Sie füllen diese Aufgabe aber meiner Meinung nach nicht so besonders gut aus, da auch häufig das Bedürfnis da ist, sich zu profilieren, über möglichst prominente Namen und Besucherzahlen. Das ist problematisch.

Das Projektdisplay des Frankfurter Kunstvereins ist eine super Initiative gewesen. Ich habe da allerdings als Letzter eine Ausstellungsreihe gemacht. Das Display wurde dann eingestellt, aufgrund von personellen und zeitlichen Engpässen. Gerade diese Räumlichkeiten wo lokale Kuratoren und lokale Künstler zusammenkommen in einer Art Experimentierfeld sind wahnsinnig wichtig, und auch dieser Raum war über Jahre wahnsinnig wichtig.

Michaela: Ganz ehrlich, ich hatte es besser gefunden, wenn das Display unten auf dem Bahnsteig angebracht worden wäre, da wo große Institutionen wie die Schirn und auch das Archäologische Museum Werbung machen. Dort wäre eine Projektfläche viel effektiver als direkt vor der Rolltreppe, wo die Leute einfach nicht stehen bleiben können, weil sie sonst im Weg stehen.

Raul: Das ist halt das Schaufenster, das aus irgendwelchen Gründen dem FKV zugewachsen ist. Zumindest gab es die Initiative diesen Unort zu nutzen, aber das Projekt einzustellen, weil es eine Person aus dem zehnköpfigen FKV-Team zwei Stunden die Woche beschäftigt, das sehe ich nicht ein. Klar der Raum war nicht optimal, aber es war ein Raum, der zu Intervention einladen hat und zum Nachdenken, aber auch zu einer direkten Arbeit am Raum und der Umgebung, weil man um ihn und auch um den abstrusen Ort an dem sich das ganze befand nicht herum kam.

Michaela: Du engagierst Dich auch für die Erhaltung des Studierendenhauses in Bockenheim und bist wie viele andere der Meinung, dass es eine wichtige Erfahrungsstätte für interdisziplinärer Prozesse ist, „wo alternative Tutorien, Symposien, internationale Politgruppen, Künstler, Wissenschaftler, Studenten, Jung und Alt zusammen treffen, sich austauschen und gemeinsam über ihre Sicht der Welt reflektieren“ (aus dem Aufruf zur Rettung des Studierendenhauses). Wie steht es um solche Räume in Frankfurt?

Raul: Ja, das ist einer dieser wenigen Räume, die es in Frankfurt gibt, wo man unkommerziell und relativ schwellenarm einem kreativen, politischen Leben nachkommen kann. Man kann über einen Kulturcampus soviel reden wie man will. Angesichts der fortschreitenden Kommerzialisierung, dem Ausverkauf von städtischen Immobilien und schweineteuren Mieten sind die Kulturinstitutionen, die dann da auch mal irgendwie rein dürfen nur ein Feigenblatt. Es fehlt in Frankfurt einfach an Raum, vor allem auch an selbstverwaltetem Raum, wie man an den Initiativen sieht, die in letzter Zeit wieder häufiger versuchen durch Besetzung sich einen alternativen kreativen und politischen Raum zu nehmen, was sehr stark restriktiv verfolgt wird. Durch die fortschreitende Kommerzialisierung fallen solche Räumlichkeiten halt hinten runter. Aber wenn wir in dieser Stadt auch in zwanzig bis dreißig Jahren noch in einem gemischten Umfeld leben wollen, und es Orte geben soll, wo man auch über Probleme diskutieren kann, wo Leute, die neu in die Stadt kommen, andocken können, dann brauchen wir einfach solche Orte und zwar selbstverwaltete Orte, die von Initiativen getragen werden und nicht irgendein Saalbaubürgerhausmehrzweckraum, wo man sich nach Voranmeldung einmal monatlich Mittwochs zwischen 9 und 10 treffen kann.

Da muss es also eine weitergehende Offenheit geben. Die Forderungen des ders Haueses der Kulturenbetreffen ja auch nicht den kompletten Campus. Es geht darum, das Studierendenhaus, das durch studentische Selbstverwaltung und politische Bildung entstanden ist, für Ausstellungen, Performances, Theater, politische Veranstaltungen, Konzerte und Festivals zu erhalten. Nur durch solche Initiativen kann sich auch in Zukunft künstlerisch-kreatives, politisch-soziales, sowie wissenschaftlich-kritisches Denken und Schaffen trotz oder gerade entgegen der sich immer weiter kommerzialisierenden Stadt entfalten.

Michaela: Ein Raum der sich gerade erst formiert ist das neue Atelierfrankfurt in der Schwedlerstrasse 1-5. Im Rahmen des Eröffnungsfestivals (19. bis 23.11) zeigt Du eine Installation, Fotos und das Video einer Performance für die Du einen Anker durch die Straßen Frankfurts ziehst. Wofür stand das alte Atelierfrankfurt Deiner Meinung nach und was erhoffst Du Dir vom Neuen? 

Raul: In der Performance „Let Go Anchor!” geht es implizit auch um die Nutzung von Räumlichkeiten für kreative Zwecke. Gerade Künstler ziehen von Atelier zu Ausstellungsraum, von Zwischennutzung zu Kurzzeitmiete. Den Anfang nimmt die Performance im Messeviertel Frankfurts, am ehemaligen Standort des Atelierfrankfurt, an das nur noch eine Baulücke erinnert. Nach dem langen Weg durch das Bahnhofsviertel und am Mainufer entlang, an der neuen EZB und dem neuen Kunstverein Montez vorbei in den Osthafen kommen der Anker und sein Träger schließlich an der neuen Location des Atelierfrankfurts an. Einem weiteren temporären Ankerplatz und als (Video)Installation in der ehemaligen Pförtnerloge.

Der neue Ort des Atelierfrankfurts im Schatten der EZB weckt in mir zwiespältige Gefühle. Zum einen befürchte ich ganz der neoliberalen Rhetorik von „Kunst als Standortfaktor“ und „Creative City“ folgend eine Kommerzialisierung des neuen Atelierhauses, andererseits bieten die Räumlichkeiten viel Freiraum für kreatives Arbeiten und ich erhoffe mir einen Impuls für die Kunstszene Frankfurts. Wichtig wäre hierbei aber, dass das Atelierfrankfurt, seine Mieter und die Leitung, diese Chance auch ergreifen. Ich hoffe, dass es ein kreatives, ein offenes und freies Haus wird in dessen Zentrum, auch nach Außen und in den kuratierten Ausstellungen die lokalen Künstler stehen – aber ohne die politisch-sozialen Entwicklungen außer Acht zu lassen. Denn gerade Kunst und lokale Kreative haben das Potential diese Prozesse und den Wandel des Stadtteils zu begleiten und kritisch zu reflektieren.

Raul Gschrey hat Kunstpädagogik und Anglistik an der Goethe-Universität studiert.  Mit seiner künstlerischen Arbeit reagiert er auf gesellschaftlich relevante Themen, wie Videoüberwachung. Seine Performance sind oft Interventionen im öffentlichen Raum. Diesen Sommer waren Arbeiten von ihm in der Ausstellung „Außer Kontrolle. Leben in einer überwachten Welt“ im Museum für Kommunikation in Frankfurt und Berlin zu sehen. Raul lehrt an der Fachhochschule Frankfurt/Main und promoviert am International Graduate Centre for the Study of Culture (GCSC) an der Justus-Liebig-Universität, Gießen. 

Das BiG – Büro für interdisziplinäre Gesprächskultur, eine Initiative junger Kuratoren aus Frankfurt, eröffnet im Rahmen der Frankfurter Ateliertage (22. und 23.11.) mit einer Veranstaltung zum Thema Abrisshäuser in Frankfurt.

Margit Seiler fragmentiert den Körper. In der Galerie Perpétuel sind zur Zeit zwei ihrer Serien neben mehreren Einzelarbeiten zu sehen. Seilers Penisse aus Stein liegen oder stehen aufgereiht in einer Vitrine. Zwei Finger, ein winziges Knie und ein noch kleinerer Torso flankieren die Reihe. Seiler arbeitet nicht nach der Natur, obwohl sie sie zeigt. Natürliche Formen wie die Rundungen eines Pos oder die Abstände zwischen den Fußzehen verwendet die Bildhauerin wie Formeln, mit denen sie autonome, von der Natur abstrahierte Gebilde schafft, die trotzdem noch auf sie verweisen. Durch das Arrangieren der verschieden farbigen Körperteile aus Stein (Alabaster, Speckstein und Selenite) entstehen neben einer Vielzahl von Assoziationen, auch verschiedene Lesarten. Die Präsentation in der Vitrine wirkt museal, wie eine Reihung von archäologischen Fundstücken. Und manche Betrachter denken bei Körperteilen hinter Glas nicht nur an Wissenschaft, sondern auch an Reliquienschreine. Die Einzelpräsentation der Plastiken auf schmalen Sockeln wirkt dagegen elegant. Der zierliche, kleine Fuss, das bruch- stückhafte Knie und ein unvollendet belassenes Becken erinnern an die Idealisierung des Körpers in der Kunst seit der Antike. Schnell denkt man auch an die zerstückelten Körper der Surrealisten. Vor allem bei jenen Körperteilen in der Vitrine, die für das Unterbewusste, für Lust und Trieb, für Fortpflanzung, aber auch für Krankheiten stehen. Der aufgerichtete Penis sieht aus wie ein prähistorisches Fruchtbarkeitssymbol. Seilers Zitate sind nicht ohne Humor. Sie arbeitet mit natürlichem und industriell hergestelltem Material und verleiht beidem durch Formgebung ein neue optische Qualität und damit Inhalt. Der Übergang von Unschuld zur aufreizenden Pose der jugendlichen Pobacken aus Y-tong an der Wand weckt in nicht wenigen Fällen die Lust des Betrachters. Er will sie anfassen. Die Oberfläche wirkt samtig wie Haut, ist aber rau, kalt und hart. Befriedigung stellt sich nicht durch Berührung ein, sondern durch Betrachtung. Die einfache Linie, das Spiel von Licht und Schatten und die Struktur der Oberfläche laden zur Kontemplation ein. Im sich Vertiefen in die Linie wird der Gegenstand vergessen. Man erreicht einen Zustand der Konzentration, der intensiven Wahrnehmung und tauscht einen Moment des Bewusstseins gegen die Getriebenheit im Alltag.

Die von Jean-Christophe Ammann kuratierte Ausstellung ist noch bis zum 15.02.2014 in der Oppenheimer Straße 39 zu sehen. Galerie Perpétuel